Películas que se analizarán:
Viaje a la Luna de Meliés
Acorazado Potemkin de Sergei Eisenstein
Luces de la Ciudad de Charles Chaplin
Elementos a valorar en tu critica cinematográfica:
1.-Ten en cuenta que TODAS las películas tienen un héroe, el cual será el personaje principal, y un enemigo. El enemigo puede ser otro personaje, objeto o situación. Analiza al "héroe y al enemigo", al "bueno y al malo" y cómo se desarrolla la historia en torno a ellos. Pregúntate si tienen similitudes, diferencias, si persiguen el mismo objetivo, porqué se odian mutuamente, y cuáles son sus antecedentes.
2.- Busca el esquema de color. La mayoría de las películas tienen un esquema de color para definir las emociones, el crecimiento del personaje, personalidades o lugares. Comprende el significado del color y que el color es, en muchos casos, una metáfora para expresar algo más.
3.- Pon atención a la música. La música y los sonidos también son utilizados para definir los sentimientos del personaje y su crecimiento. También crea la atmósfera y te deja saber cómo debes sentirte acerca de la escena.(Aplicable solo a Acorazado Potemkin y a Luces de la Ciudad )
4.-Observa los encuadres y movimientos de la cámara en cada escena y la iluminación.¿Cuál es el mensaje que obtienes de la toma y la iluminación? ¿El personaje principal está enamorado?
5.-Escribe acerca de las diferentes emociones que sentiste durante la película, ademas investiga sobre la filmografía del Director de la cinta y su aportación mas trascendente a la cinematografía.
6.- Escribe acerca del mensaje de la película.
7.- Escribe acerca del vestuario, los esquemas de colores que utilizaron, y si fueron apropiados para los personajes.
8.- Pregúntate, si todos los actores fueron consistentes en sus papeles, si su interpretación fue convincente, si hubo alguno que fue especialmente bueno o malo, o en otras palabras, si fue creíble.
9.- Tomando todo esto en cuenta, escribe tu reseña de la película. Escribe si fue vanguardista o si fue la misma historia trillada de siempre. Considera si fue original o si te pareció vacia o sin sentido, si hubo algo que faltó o si fue demasiado y finalmente ¡Haz tu valoración!
**Utiliza mínimamente una extensión de media cuartilla para cada película
FECHA DE PUBLICACIÓN: Lunes 28 de Septiembre
FECHA DE PUBLICACIÓN: Lunes 28 de Septiembre
Viaje a la luna de Melíes, es el primer antecedente de películas de ciencia ficción. En este antiguo filme hay seis personajes astronautas que viajaran a la luna. Su entorno social es de admiración y elogios por las personas de su pueblo. La imaginación puede llevarnos a que en esa época el ir a la luna no era un tema común y este nuevo descubrimiento debía ser aplaudido por la sociedad. Ellos son despedidos como héroes.
ResponderBorrarLos personajes llegan al lugar desconocido, que pareciera un pantano y no la superficie lunar. La luna después de recibir un cohete en forma de bala en su ojo, parecía estar molesta, incluso podríamos percibir su sentimiento de invasión. Tenía seis pares de pies en su cuerpo. ¿Pero acaso ella no tenía ya invasores? Pues al parecer sí, porque aparecen los extraterrestres, ellos están en el rol de enemigos, de malos. No dejan que los astronautas realicen sus experimentos que tanto esperan sus amigos en la tierra. Puede ser que lo hayan hecho porque los tabús dicen que los extraterrestres quieren a los humanos para analizarlos y superarlos. O también porque estaban asustados por los astronautas. ¿Nunca se han preguntado que ellos quizá se sientan humanos y nos vean a nosotros como extraterrestres? ¿Qué la bala en el ojo de la luna, ellos lo estudiaron tanto como los humanos estudian las formas que supuestamente ellos dejan en las tierras agrícolas? Esta película pudiera ser un ejemplo de la vida paralela o un presagio, en aquel entonces. Porque ahora los cohetes sí parecen balas y supuestamente se ha ido a la luna.
La musicalización en ocasiones es de tensión, no en todas las tomas. Recordemos que es un filme de catorce minutos, pero a pesar de eso de juega con la musicalización, pasando de unos tonos alegres a tensos.
En cuanto a las tomas no hay mucha variedad, viaje a la luna está realizada de una forma lineal. Con tomas fijas, pero se juega con los acercamientos que dan mensajes claros, por ejemplo la forma en la que luna se molesta o expresa dolor por nave en su rostro.
Los vestuarios de los personajes son trajes de la época, sofisticados porque eran estudiadores, pero dejaron de lado que el ir a la luna conlleva otro tipo de vestuario, es aceptable este error porque no se tenía conocimientos espaciales, no usan tanques de oxígeno, ni se ve el efecto de la gravedad.
Esta película genera una vanguardia, una forma de hacer las películas de aquel tiempo. Tiene aportaciones espectaculares y aun cuando algunas cosas con incongruentes, este filme es valorado por todas las cosas que genera y no por las cosas en las que falla.
El acorazo de Potemkim tiene cientos de personajes, los principales son los capitanes que maltrataban y abusaban de sus marineros. El contexto es en un barco, con condiciones denigrantes, comidas en mal estado, autoritarismo, abusos, discriminación y autoritarismo.
ResponderBorrarLos personajes sufren, pasan por momentos difíciles y eso hace que creen una revolución en contra de sus mandatarios. Como todo sometimiento acaba en guerra, pues este es el ejemplo claro de una película de 1925.
En esta película los personajes expresan sus sentimientos, pero los espectadores los entendemos gracias al lenguaje visual, no por sus diálogos. La película es entendible por las tomas y los auxiliares de lenguaje que tiene para unir una escena con otra. Dado que esta película es muda, aporta tomas específicas para poder comprender el mensaje del filme. Así como también musicalización que provoca que nuestro conocimiento logre identificar cuando están haciendo una actividad peligrosa o de tensión. Los acercamientos, los cambios de cámara, incluso el tomar cuando la gente corría para huir. Representan las emociones de manera tan entendible que pareciera una película actual, la muerte y el desconcierto social. Podemos observar aquí que ya había un gran avance tecnológico en cuanto al cine y su forma de producirse. Aun cuando algunas partes del filme se ven rápidas esta película ya tiene características más contemporáneas.
El acorazado de Potemkim es una forma de expresión, el poner a vista de todos lo que paso en aquella época. La dirección es excelente, los vestuarios adecuados.
El fin de esta película puede ser de protesta en contra a lo que paso en aquellos años, pero en cuanto a cine marca una gran evolución, un arduo trabajo de los estudiosos del tema, que seguían trabajando en ensayo y error.
Luces de la ciudad es pintoresca, a pesar de ser a blanco y negro. El personaje principal es cálido, despreocupado, noble y puro. Sus acciones son inocentes. Se enamora de una mujer bella, ciega, pobre. El primer mensaje, el amor no tiene condiciones, si amas harás todo por esa persona, aun cuando eso implique ponerte en riesgo a ti mismo.
ResponderBorrarOtros personajes como el amigo alcohólico y el mayordomo no son buenos con él, pero son de gran ayuda en su historia.
Los personajes tienen contextos sociales muy diferentes. Uno es muy rico y otro no tiene nada. En el filme no sale si tiene un hogar, más bien parece un vagabundo con un poco de suerte.
Esta película es muy rápida, le da el toque de comedia, además de la musicalización. La ciudad es bonita, en proceso de urbanización y con problemas tan actuales. Pero con ese lado rosa de la vida, que si bien hay tragedia, hay soluciones.
Esta película también tiene aportaciones cineastas, como por ejemplo las cortinillas con las que fue dividida una escena de otra. Así como las tomas por la ciudad. Pero algo muy marcado fue la esquina donde conoce a la chica, toda la película esta desenvuelta en esa zona.
Los vestuarios muy acordes a la época de la película. La música al ritmo de los 16 cuadros por segundo y las expresiones de los personajes valen más que mil palabras.
Luces de la ciudad es la inspiración para la comedia de la época de oro.
Chaplin es un vagabundo al que nunca le ha sonreído la vida. Día tras día lo único que hace es vagar por las calles de la gran ciudad. Un día se queda prendado de una dulce joven ciega que vende flores. La irregular amistad entre un perturbado ricachón y Chaplin hace que la joven se confunda y piense que él es el joven adinerado.
ResponderBorrarCada mañana hace una visita a la joven y la compra una flor hasta que un día ella le concede una cita. Ella le confiesa que se siente muy desgraciada porque vive con su abuela que está muy enferma y que como no paguen las deudas les quitan la casa. Chaplin, a pesar de ser un pobre mendigo, hace todo lo posible porque su amada se sienta feliz.
Observe que en la película se maneja una muy buena calidad a pesar del año donde fue filmada se alcanza
A apreciar excelente calidad pienso que la producción es muy buena por lo tanto me gusto.
El acorazado Potemkin está considerada como una de las películas propagandísticas más influyentes de todos los tiempos y fue nombrada mejor película de la historia en la Exposición General de Bruselas de 1958. El filme es de dominio público en algunas partes del mundo y es considerada como una de las mejores películas de la historia del cine.
ResponderBorrarEn 1925 se le encargó al director Eisenstein el llevar a cabo esta obra para conmemorar el vigésimo aniversario de la revolución social de 1905 por la Revolución bolchevique.
El acorazado Potemkin significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual.
CONTEXTO O ARGUMENTO:
El acorazado Potemkin es una película basada en hechos reales, que acontecieron en el puerto de Odesa (Ucrania) durante la semana del 26 de junio de 1905.
Los marineros del acorazado Potemkin, hartos de malos tratos, de ser obligados a alimentarse con alimentos en mal estado deciden sublevarse. Llena de imágenes expresivas, casi como un álbum fotográfico, El acorazado Potemkin representa la magnificación de la figura de las masas y las causas colectivas.
Estrenada en la primera década de la Revolución rusa (1925) constituye un rescate de la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la rebelión de octubre de 1917.
Viaje a la luna” está considerada como la primera película de ciencia ficción en toda la historia del cine. En 1902, Georges Méliès consiguió lo que muchos hasta el momento no hicieron, contar una historia llena de fantasía, grabada completamente en un estudio cinematográfico. Con un valor histórico incalculable “Viaje a la luna” está en la memoria de todas las personas del mundo, aunque no sepan de lo que se trata, ya que sus imágenes han sido repetidas por todas partes, considerándose una gran aportación icónica al mundo del arte (la imagen más recordada es la que encabeza este artículo).
ResponderBorrarPara entender ésta película hay que conocer un poco la historia de su creador. Georges Méliès fue una de las pocas personas quevoyage-dans-la-lune-1902-06-g estuvieron presentes en 1895 en el nacimiento del cine de la mano de los hermanos Lumière. Quedó tan prendado del invento que su cabeza comenzó a volar en esos momentos, y entendió esto del cine como un espectáculo, además, Méliès era un gran entusiasta del teatro. De hecho, Méliès descubrió los inconvenientes de rodar al aire libre por culpa de la lluvia y del viento, por ello construyó el primer estudio cinematográfico en la parte de atrás de su jardín. Con la experiencia que contaba el cineasta del teatro, construyó un edificio compuesto por paneles de cristal (para aprovechar la luz del sol, no usaba luz artificial), y además el estudio contaba con tramoyas, trampillas y decorados espectaculares que él mismo dibujaba.
“Le Voyage dans la lune” (‘Viaje a la luna’) tuvo un presupuesto de 10.000 fráncos (pensad en la época) y dura 14 minutos con 12 segundos y está rodada a una velocidad de 16 fotogramas por segundo y proyectada a 25 f/s. Basada en una novela de Julio Verne, “Viaje a la luna” nos narra la historia de un grupo de científicos inicia un viaje a la Luna en una nave que es disparada desde un cañón y acaba incrustándose en uno de los ojos del satélite. Durante el viaje observan todo tipo de seres imaginarios, y en la Luna se encuentran con selenitas, quienes les acompañan en su regreso.
La historia tiene un tono surrealista y con tintes cómicos y satíricos. Los decorados realizados por Méliès producen un efectos asombroso en la cinta y que para la época tenían un significado muy importanet. Además, es la primera obra que tiene una línea narrativa formal para el disfrute de los espectadores. La cinta fue rodada en blanco y negro y sin sonido (obviamente), pero posteriormente a Méliès se le ocurrió la idea de darle color a la película y fue coloreando fotograma a fotograma, pero esta no fue la primera película que coloreó.
VIAJE A LA LUNA (Georges Méliès 1902)
ResponderBorrarLa simple idea de viajar a la luna era una locura en ese tiempo, ese hombre que vivía de ser mago y director de teatro nos mostraría verdades ocultas tras las cortinas de la ficción, intentaría convencernos tal como lo hizo con el personaje de la idea del viaje (Georges Méliès) hacia los científicos. Lo que en verdad nos plantea es un viaje del hombre hacia su verdadero conflicto interno de poder, crecimiento, superioridad, y ante todo resguardado en su patriotismo. Un conflicto interno que vivió y vive en personajes de la historia en la realidad. Nos muestra la escena de la construcción de un cohete en forma de bala y su inspección por parte de las mentes maestras de tal proyecto, sin duda a simple vista nos refleja la superioridad de la mente humana y el trabajo para crear herramientas que le ayuden a resolver sus conflictos ya sean buenos o malos.
Juega con nosotros, al poner demasiado humo cuando estos se encuentran en la azotea observando la construcción del cañón que lanzara la bola. Digo juega por que el humo ¡ciega! no deja ver es una barrera para claro dejar en la intriga.
En consecuencia parten hacia la luna llenos de elogios, despedidos con honores parten a un lugar inexplorado y como he dicho para su tiempo de este filme nadie tenía la más minina idea de cómo era la luna en realidad; todos creerían lo que Georges les mostrara.
Al llegar se estrellan con el ojo del satélite, ¿Por qué Méliès le pone cara a la luna? Pienso que por el hecho de que él creía que había vida y sin duda la película en esta parte nos deja amarrados esperando a ver cómo será la luna y el universo, pues esas escena de dormir en la superficie de la tierra y ver constelaciones demás planetas, asteroides, estrellas y cometas, es sin duda un permiso que Georges nos da para ver sus sueños fue como si nos dejara dar un vistazo hacia el futuro por medio del cine. (Claro refiriendo al cosmos y no los seres).
El primero en matar a un selenita (extraterrestre), me pregunte por qué lo hizo en lugar de haber sostenido algún tipo de comunicación, el miedo lo inundo y lo mato pero piensas esto fue creación de él, fuera del filme un miedo a su creación.
En lo que viene después de este clímax que nos regala y empezando con desenlace son capturados y llevados a manos del rey de los selenitas entre el forcejeo de la llegada el científico se desata y sin miedo sabiendo su punto débil va contra el rey y lo asesina todos los selenitas quedan en shock mientras ellos escapan suben a la nave siendo perseguidos y atrapando a un extraterrestre el cual intentaba detenerlos abrazado su nave mientras esta caía por el borde de la luna.
Son recibidos como héroes y vaya ahí es donde nos responde la pregunta Méliès ataco su creación porque ya tenía un plan para él, ser el héroe de la película y aparte tendría un selenita para que no se le creyera un loco.
EL ACORAZADO POTEMKIN (Sergei Eisenstein 1925)
ResponderBorrarLa película no es sólo un film de propaganda (como Raza por ejemplo). Busca construir un drama universal a partir de un hecho puntual, de tal manera que su mensaje va más allá del público ruso del 25 y la exaltación del fervor revolucionario y comunista (aunque fuera su objetivo). Y va más allá porque sienta las bases del lenguaje cinematográfico y del montaje.
Virtudes (técnicas por supuesto): contraste entre imágenes para provocar espanto, empleo por primera vez en la cinematografía soviética del travelling (las cámaras de la época eran enormes y muy difíciles de mover), la crispación de los puños de los marineros cerrándose, el aprovechamiento del espacio dentro del plano con una composición que queda muy natural pero “llenando” el plano de forma artificial (los maestros del cine clásico americano como Howard Hawks eran expertos y hoy parece que nadie es capaz de hacerlo igual), el carrito en la escalera, las caras, la discordancia entre el ritmo interno de la escena y el ritmo del montaje, la imagen como símbolo, intercambio de lentes en lugar cambiar de lugar la cámara, el uso del foco diferencial, la fotografía de Tissé, angulaciones para generar sensaciones, hacernos creer que el barco está en alta mar, un extraordinario manejo del ritmo con momentos de pausa y otros de crispación, expresivos primeros planos, el plano picado, el recurso de la repetición de imágenes para evocar ideas y para generar tensión en las acciones (no, no lo inventó John Woo) etc. Todo ello, es cierto, pasando olímpicamente del raccord (gente corriendo hacia lados contrarios, cubos quietos que luego se balancean...).
Defectos (para mí sin importancia, la perspectiva histórica tiene que prevalecer en estos casos): La concepción del cine como herramienta tendenciosa para manejar al público, ofrecer una selección de sucesos conmovedores pero falsos. La veracidad de la película es escasa y el argumento es propaganda de exagerado patetismo para exaltar ánimos. En bloque mantiene una estructura lógica pero introduce imágenes que buscan algo más que narrar una peripecia.
Montaje de atracciones: considera el montaje más importante que la puesta en escena o la colocación de la cámara. Trata de “asociar” los hechos de los planos mediante el montaje, esos planos cobrarán sentido todos unidos por el montaje y no por separado. Todo esto está hoy día superado (la publicidad y el cine sobre todo de acción no se entienden de otra forma), pero no olvidemos que está superado gracias a que tipos como Eisenstein lo plantearon. No se trata, por tanto, de que el montaje esté condicionado por las necesidades del relato (uniendo tomas individuales), sino de que cobre protagonismo como elemento de cohesión de partes sueltas que al unirlas consiguen un objetivo concreto. La yuxtaposición de imágenes no sirve exclusivamente para unir secuencias que tengan valor por sí mismas, sino para confrontar imágenes y provocar así sensaciones, tensión, etc.
Luces de la Ciudad (Charles Chaplin 1931)
ResponderBorrarEl filme comienza con la inauguración en una concurrida plaza de un conjunto escultórico que se supone que exalta la paz y la prosperidad. Los discursos de los prebostes son sustituidos por trompetillas de feria. Chaplin se mofa de los mensajes vacíos que profieren los poderosos cuando citan principios morales y sociales para dar empaque a sus palabras. Pero también desdeña y menosprecia el cine sonoro, emergente cuando Chaplin comenzó a gestar City Lights y consolidado cuando lo estrenó. Él prefirió expresar con pantomima su film sobre la incomunicación.
Con City Lights logra la perfección en su habitual búsqueda de una combinación de drama sentimental con mordiente cómica. El amor callado y desinteresado, las barreras sociales y las desigualdades, la soledad y la marginalidad, sirven a Chaplin para crear un nuevo retrato del vagabundo, menos pícaro que otras veces, más digno de compasión, y muy, muy romántico.
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ResponderBorrarLa película “Viaje a la luna” de Georges Méliès reconocido ilusionista y prestidigitador, y propietario del Teatro Robert Houdin. Esta película cuenta con una muy buena comunicación visual, que para la época el año 1902 era lo más novedoso que existía en cuanto a espectáculos que se ofrecían en los espacios públicos con público presente. Una de las imágenes más representativas de esta película y que se utiliza como referencia hoy en día cuando se habla de la historia de la cinematografía es la representación de la luna, que para su filmación se utilizó una cara cubierta con lo que parece ser una tarta. Las mágicas ilusiones que se observan en la película fueron hecha gracias a un efecto visual que consiste en grabar por en dos partes con una secuencia coherente, esta técnica se utilizó en la mayor parte de las escenas, por ejemplo cuando se lanza el cohete a la luna, cuando aparecen y desaparecen los personajes que simulan ser estrellas y planetas en el universo y otras escenas a las que se les suman otros efectos con humo, como cuando los científicos exploradores se enfrentan con los extraterrestres habitantes de la luna. George Méliès tenía ideologías acerca de que existía vida en otros planetas o al menos así se lo imagino, por eso es que plasmo las escenas de la película un poco basadas en fantasía y ciencia ficción. Esta pelicula hizo volar la imaginación de muchas personas en aquellos años, es por eso que se ha convertido en una gran maravilla para el cine a lo largo de la historia e inspiración de los cineastas modernos de la actualidad a nivel mundial.
ResponderBorrarLa película “El acorazado de Potemkin” de Sergei Mijalovich Einsestein (1925) está basada en los hechos reales que acontecieron en el puerto de Odessa (Rusia) durante la semana de 26 de junio de 1905. Por obvias razones Sergei tenía el objetivo de persuadir a la audiencia cinéfila con los ideales liberales que promovía. Dentro de las escenas más destacadas de esta película se encuentran, una donde el director pone en evidencia los casos donde se les daba de comer carne podrida a los marineros en las grandes embarcaciones que causa indignación total en el espectador, además de la escena que se ha convertido en un emblema y que se han hecho varios remake’s para diferentes series de televisión es la famosa escena de “La escalera de Odesa” en donde se ve claramente como las fuerzas armadas atacan a las personas a sangre fría con sus armas de fuego. La película de “El acorazado de Potemkin” contiene mucho drama que causa emociones en el espectador, con fines propagandísticos se convirtió en un boom para la época, muy extensa y con muy poca variantes de escenarios.
ResponderBorrarLa película “Luces de la ciudad” de Charles Chaplin (1931) es una gran película que incluye un poco de drama, romanticismo y mucha comedia. La divertida historia de un vagabundo que se enamora de una joven ciega que vende flores en la calle, el chico se ve envuelto en una serie de aventuras donde el objetivo es tratar de conseguir dinero para ayudar a su enamorada a pagar unas cuentas ya que debido a su condición vivía con su abuela y su único sustento era el ingreso que obtenía de la venta de las flores. En su recorrido como vagabundo el protagonista evita el suicidio de un hombre rico, se involucra en el boxeo, se vuelve barrendero de la ciudad y hasta la cárcel va a dar por razones injustas y malas interpretaciones. Esta película fue un éxito a nivel mundial ya que contaba con una gran cantidad de efectos especiales y movimientos entre los personajes que hacía que el espectador no se perdiera ningún detalle.
ResponderBorrarLuces de la cuidad (1931) es una película estadounidense escrita, dirigida y protagonizada por Charles Chaplin, se trata básicamente de un vagabundo que se enamora de una chica que vende flores y es ciega, ella tiene problemas económicos y él desea ayudarla a toda costa para evitar el embargo de su hogar. La florista cree que él es millonario, ya que él siempre le copra flores. Éste, tiernamente enamorado, intenta conseguir a toda costa el dinero necesario para una operación que puede devolverle la vista. El humor con el que actúa l lama la atención ya que su humor blanco y mudo e muy interesante, se ven escenas muy bien armadas aun no teniendo tantas herramientas como las de hoy la creatividad con la que se realizó esta película es súper interesante también, representado en situaciones chistosas que debe vivir el Para ello se presentará voluntario a un combate de boxeo, que ofrece como premio una sustanciosa cantidad de dinero, antes del combate se le ve muy tranquilo y observando a los competidores como se preparan y copiando tips para la buena suerte, pero después de ver sus derrotas decide quitárselos, su nerviosismo es cuando se entera con quien va a pelear un hombre alto, fuerte y seguro intenta ser muy amable para no salir muy lastimado y provocar sensibilidad con él, esa escena es una de mis favoritas de esta gran película ya que saca carcajadas con la inocencia y ocurrencias , después de la pela no victoriosa para el vagabundo, encuentra un amigo millonario quien le da dinero, pero en la casa del millonario habían 2 ladrones quienes combatió con ellos para salvar al millonario, este hecho no fue a su favor porque creyeron que él había sido el ladrón, estuvo en la cárcel por ese echo y al salir de ella casualmente se encuentra a su amada quien ella no tenía ni idea como era él.
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ResponderBorrarViaje a la Luna, es una película francesa de 1902, Dirigida por Georges Méliès, es la primera película de ciencia ficción y en blanco y negro muda. Una película de tomas fija y muy cuadrada pero lo que llama mucho la atención son los efectos especiales que se usaron en ese tiempo, este largometraje se trata de unos astrónomos, el presidente de la reunión (interpretado por Georges Méliès) propone hacer un viaje a la Luna. Con la ayuda de 15 colegas voluntarios, dirige en París la construcción de una cápsula espacial y el fundido de un cañón gigantesco para lanzarla al espacio. Una vez en la Luna, los aeronautas duermen bajo la atenta mirada de las estrellas. Al despertar, comprueban la existencia de pobladores de la Luna, (lanzando un papel en una persona que interrumpe), seis valientes astrónomos diseñan un plan, después de haber diseñado una cápsula espacial, son lanzados al espacio por un cañón gigante. La cápsula es expulsada hacia la bonita cara de la Luna, dañándole el ojo derecho. Una escena que está muy bien planeada, porque si es sorprendente verla y más aún en ese tiempo que era lo más novedoso del cine, se muestra en la película que los astronautas encontraron a unos extraterrestres con los que se enfrentaron donde emprenden el regreso a la Tierra, después de despeñar la cápsula desde un acantilado hacia el espacio. no y tuvieron que regresar a la tierra donde toda la gente los esperaba.
ResponderBorrarEl acorazado de potemkin, película muda de 1925, dirigida por el cineasta ruso Sergei M. Eisenstein , toma el nombre de la embarcación en donde se inicia el levantamiento de los marineros que forman parte de ésta contra los oficiales a su mando. El drama se inicia cuando los marineros se quejan por recibir como alimento carne en mal estado, influidos por la ola de levantamientos acontecidos en Rusia en ese momento. Este hecho concluye en el asesinato de un líder del levantamiento, por lo cual la lucha de los marineros recibe apoyo de los ciudadanos y da lugar a un ataque militar en la vía pública. El film está dividido en cuatro partes con sus respectivos títulos. Entendiendo que esta es una de las primeras experiencias del cine de larga duración, podemos pensar que la estructuración se hace necesaria y es parte heredada tanto así del teatro como de la música. La primera parte ‘Hombres y Gusanos’ plantea el problema de la carne podrida que se les da a los marineros. Esta cuestión se vuelve inquietante al momento de un plano detalle a la carne en la que se destacan los gusanos que abundan en ella. Luego, como segunda parte en ‘El drama en el Golfo de Tendra’ se muestra como la orden de los oficiales de que se matase a los marineros amotinados no es obedecida por el resto de la embarcación. Aquí se puede observar una especie de solidaridad: cuando Valinchuk , uno de los marineros, pronuncia a la orden de fuego: “Hermanos ¿contra quiénes disparais?” y modifica la decisión de disparar de aquellos que empuñan las armas. En el enfrentamiento que le sucede los marineros unidos toman una ventaja contra los oficiales, pero Valinchuk es herido, y finalmente muere. Esta brutalidad da lugar a la siguiente parte que se titula “El muerto clama” en la que este hecho coyuntural se hace eco en el pueblo de Odesa, y se murmulla “Abajo los verdugos. Abajo la Autocracia”. Finalmente se desata una matanza indiscriminada en “La escalera de Odesa” de la que es responsable la fuerza armada. Oportunamente responden los cañones del acorazado, y se visualizan como vencedores al momento del plano en contrapicada de la embarcación, expresando superioridad y pode
ResponderBorrarChaplin es un vagabundo al que nunca le ha sonreído la vida. Día tras día lo único que hace es vagar por las calles de la gran ciudad. Un día se queda prendado de una dulce joven ciega que vende flores. La irregular amistad entre un perturbado ricachón y Chaplin hace que la joven se confunda y piense que él es el joven adinerado.
ResponderBorrarCada mañana hace una visita a la joven y la compra una flor hasta que un día ella le concede una cita. Ella le confiesa que se siente muy desgraciada porque vive con su abuela que está muy enferma y que como no paguen las deudas les quitan la casa. Chaplin, a pesar de ser un pobre mendigo, hace todo lo posible por que su amada se sienta feliz.
Narra la relación entre Chaplin y una florista ciega a la que desea ayudar haciéndose pasar por millonario; la segunda es de tono más cómico y establece la relación entre el vagabundo y un excéntrico millonario, que cuando se emborracha por las noches se quiere suicidar y se hace amigo íntimo del protagonista, pero durante el día recupera la cordura y no quiere saber nada de él.
Aunque son dos tramas que discurren por separado, ambas se basan en el juego de dobles identidades: Chaplin finge ser un millonario durante el día ante la florista y durante la noche realmente vive como tal a expensas de su amigo alcohólico, por otro lado durante la noche su amigo le ofrece todo el dinero que quiera e incluso al final acepta ayudar a la florista (a la que nunca conoce, puesto que ambos viven en mundos distintos), pero por mucho que parezca que Charlot va a conseguir unir ambos personajes al final, a la luz del día, sigue siendo el pobre vagabundo de siempre.
El ejemplo más famoso es la escena inicial en que unos personajes pomposos dan un aburrido discurso en la inauguración de una estatua, a los que Chaplin les puso una ridícula voz hecha con pitidos que no dejaba entender lo que decía. Era su forma de burlarse de esas películas sonoras en que la gente no hacía más que hablar, hablar, hablar.
En cierto modo, Luces de la Ciudad era también un homenaje y una sentida despedida al cine mudo.
No obstante, la clave de todo el film es la escena final. Toda la película se construyó alrededor de este momento: el reencuentro de la florista, que ha recuperado la vista, y el vagabundo. Él la reconoce a ella pero ésta no, puesto que solo lo conoció mientras era ciega y aún cree que era un millonario.
El instante en que ella le coge de la mano y le reconoce por el tacto es uno de los instantes más bellos y mágicos de la historia del cine. La frase final que ella le replica al reconocerle (“Sí, ahora ya puedo ver“) no es tanto una constatación de que ha recuperado la vista como de que ahora es consciente de la realidad, de su sueño de fantasía sobre un príncipe azul millonario que en realidad era un vagabundo andrajoso.
El acorazado Potemkin es una película muda de1925 dirigida por el cineasta soviético Serguéi M. Eisenstein. La película reproduce el motín ocurrido en el acorazado Potemkin en 1905, cuando la tripulación se rebeló contra los oficiales de la armada zarista.
ResponderBorrarEl acorazado Potemkin está considerada como una de las películas propagandísticas más influyentes de todos los tiempos y fue nombrada mejor película de la historia en la Exposición General de Bruselas de 1958 y se la considera como una de las mejores películas de la historia del cine.
El acorazado Potemkin significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual, otra función que puede realizar la cámara al inclinarla, lo que da como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.
Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película. Se trata de la escena de las escaleras de Odesa, cuando los soldados disparan contra el pueblo inocente y en ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corre con un coche de bebé, que rodará escaleras abajo al morir la madre. Otra mujer lleva en brazos a su hijo muerto por los disparos y se enfrenta a los soldados. Esta escena ha sido homenajeada por directores famosos a lo largo del cine.
El detonante de la situación es la carne podrida que éstos quieren que los marineros se coman. Con este motín comienza el reguero revolucionario por Odesa y toda Rusia.
El acorazado Potemkin es una película muda de1925 dirigida por el cineasta soviético Serguéi M. Eisenstein. La película reproduce el motín ocurrido en el acorazado Potemkin en 1905, cuando la tripulación se rebeló contra los oficiales de la armada zarista.
ResponderBorrarEl acorazado Potemkin está considerada como una de las películas propagandísticas más influyentes de todos los tiempos y fue nombrada mejor película de la historia en la Exposición General de Bruselas de 1958 y se la considera como una de las mejores películas de la historia del cine.
El acorazado Potemkin significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual, otra función que puede realizar la cámara al inclinarla, lo que da como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.
Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película. Se trata de la escena de las escaleras de Odesa, cuando los soldados disparan contra el pueblo inocente y en ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corre con un coche de bebé, que rodará escaleras abajo al morir la madre. Otra mujer lleva en brazos a su hijo muerto por los disparos y se enfrenta a los soldados. Esta escena ha sido homenajeada por directores famosos a lo largo del cine.
El detonante de la situación es la carne podrida que éstos quieren que los marineros se coman. Con este motín comienza el reguero revolucionario por Odesa y toda Rusia.
“Luces de la ciudad”.
ResponderBorrarpelícula estadounidense del año 1931.Una historia de amor conmovedora y diferente a las que existen en la actualidad, charles Chaplin quien escribiría y dirigiría esta película ,interpreta a un vagabundo el cual hace todo lo posible por conquistar y curar de su deplorable ceguera a una hermosa florista. Un clásico del cine entre la combinación de drama y amor nos muestra la dura vida que llevaban los ciudadanos por aquellas épocas ,las malas condiciones de vida de las bajas clases sociales de ese tiempo ,como el vagabundo se las ingenia de todas las formas posibles para ayudar a la dama a curar su enfermedad y pagar la renta de su casa ,el haciéndose pasar por un millonario quien a su vez se hace amigo de un millonario verdadero durante sus noches de fiesta , la inigualable pelea de boxeo a la que se tuvo que enfrentar y todo por amor .
Aun siendo un clásico del cine y una historia en la que no encontramos ningún tipo de dialogo entre los personajes “City Lights! Solo acude al lenguaje corporal y aun así nos refleja su historia de amor conmovedora.
“Viaje a la luna“
No solo comenzaba la nueva era del cine, un género cinematográfico nació y hasta el día de hoy dio paso a grandes fuentes de inspiraciones cinematográficas de toda una generación, estoy hablando del nacimiento del cine de ciencia ficción, pero esta película no era más que la adaptación cinematográfica del gran clásico de la literatura universal “de la tierra a la luna” de Julio Verne. Usando técnicas innovadoras, da paso al legendario “stop motion”, hoy en día utilizado por grandes cineastas como Tim Burton. Hace tiempo que quería ver ése corto está muy bueno y sorprendente que sea de 1902, el efecto de desaparecer a los extraterrestres y que aparezca humo me parece ya ingenioso, incluso la idea de viajar a la luna no era posible para aquel entonces, adapta un rostro a la luna, tal vez queriéndonos mostrar la idea de que el la luna existiera vida? .Además de todo un cohete en forma de bala nos mostraría los daños que hace el hombre a nuestra naturaleza tal vez.. El cine de ciencia ficción mostrándonos las absolutas realidades escondidas desde tiempos inmemoriales .